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Archivo de la categoría: Teatro y Cine

Un documental reivindica a Chavela Vargas como artista, mujer y lesbiana

Decía Chavela Vargas, la voz herida que surcaba los paisajes más inhóspitos del corazón de México, que ella nació cantando y a punto estuvo de morir haciéndolo también. Entre medias, rompió cánones como artista, como mujer y como lesbiana, según destaca un nuevo documental sobre su vida.

Afiche de la película «Chavela» de Catherine Gund y Daresha Kyi.

Fue única. Tuvo una vida como una montaña rusa, de subidas y bajadas extremas, de estar borracha y tirada en el suelo a convertirse en musa de Pedro Almodóvar, abarrotando salas como el Carneggie Hall de Nueva York, el Olympia de París o el Bellas Artes de México“, argumenta a Efe Daresha Kyi.

Junto a Catherine Gund firma Chavela, producción que se estrena este viernes en las salas españolas tras un largo recorrido internacional en festivales como el de Berlín (segundo Premio del Público en la sección “Panorama Documental“).

Cuando la conocí, quise que todo el mundo la descubriera, sobre todo porque podía ayudar a quienes se sienten fuera de la norma“, proclama Kyi, responsable de otros títulos como Land Where My Fathers Died, con Isaiah Washington.

No es casual que la película arranque con los versos de Soledad en la voz rota de Vargas, quien sintió desde niña la desafección de sus padres. “Y cuando te rechaza tu familia, es difícil quererse a uno mismo“, opina la directora del documental, para quien su gran logro fue “utilizar esa herida en su canto“.

La soledad se erige como espina dorsal de la película junto a un vídeo rescatado de una conversación en la que Chavela Vargas, con tono confesional, atiende a un grupo de mujeres.

Hacer una película de Chavela es reivindicar también el poder de lo femenino, porque estaba orgullosa de ser mujer“, destaca Kyi, a pesar de que uno de los rasgos externos más rompedores de su carrera fue su decisión de actuar en pantalones en plenos años 50.

Fue parte de su mito, pero más importante aún fue que aquello constituyó una manera más auténtica de presentarse, porque ella llevaba pantalones desde niña“, observa.

Obligada a abrirse camino en un mundo de hombres, fue “la más macha de todos los machos” y “se entequiló” tanto o más que ellos.

No rechazaba al hombre, tenía sus cuates, como José Alfredo Jiménez, que la ayudó a elevar su carrera a otro nivel y que decía que era la mejor cantante para su música“, continúa.

El mito creció, en parte gracias a la imaginación de la propia Chavela. ¿De verdad se coló en la habitación de Ava Gardner y tuvo un idilio con Frida Kahlo?

Con Chavela uno nunca sabe, porque no le eran importantes las fechas. Un día podía decirte que estuvo con Frida 5 años o cinco días. Lo que sí creo es que Chavela se identificó mucho con ella, porque amó a quien quiso y como quiso, fue una rebelde con una voz artística muy fuerte, también llena de sufrimiento“, opina.

Muy importante para la película para mostrar su faceta íntima desligada de cualquier atisbo de ficción fue encontrar a una de sus amantes “de carne y hueso“, papel que cumple la abogada Alicia Elena Pérez Duarte.

No queda claro si fue su ultimátum o una cacareada ceremonia con chamanes lo que logró arrancar a la artista del alcoholismo que la había alejado de los grandes escenarios durante casi 12 años, tiempo en el que quienes no la olvidaron la dieron por muerta.

Renacida, fue reclamada para actuar en un concierto en la madrileña sala Caracol al que no faltaron Pedro Almodóvar, Miguel Bosé, Elena Benarroch o Martirio, que se convirtieron en sus nuevos valedores y mostraron a Vargas una sociedad donde la palabra “lesbiana” cobró otro significado.

En España comenzó un proceso de autoafirmación. Necesitaba curarse de esas heridas que había arrastrado toda la vida“, explica Kyi sobre un segundo período artístico en el que debutó en el Teatro Olympia de París.

En la Residencia de Estudiantes de Madrid ofreció su última actuación. Murió solo unos días después en México, el 5 de agosto de 2012, tras regresar de despedirse de amigos como Almodóvar. “El suyo fue el testimonio más difícil. Aún hoy dice que le duele en el corazón que Chavela se muriera”, apostilla Kyi.

Origen: Cancionero.com

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Publicado por en 27 junio, 2017 en Arte y Cultura, Música, Teatro y Cine

 

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Nuevo Museo Violeta Parra mañana abre sus puertas al público de manera gratuita

Museo Violeta Parra (vía Museo Violeta Parra en Facebook).

Ayer se conmemoraron los 98 años del natalicio de la cantautora chilena Violeta Parra y por primera vez las actividades por su aniversario se realizaron en un nuevo lugar que está dedicado a su obra: el Museo Violeta Parra. Este espacio cultural que fue diseñado por la oficina de arquitectura Undurraga Devés y está ubicado en Av. Vicuña Mackenna 97, cerca de Plaza Italia, desde mañana abrirá oficialmente sus puertas al público y lo hará de manera gratuita hasta el 31 de diciembre.

Conoce más sobre este lugar a continuación.

La inauguración del museo realizada ayer fue encabezada por la Presidenta Michelle Bachelet y los hijos de la cantautora, Isabel y Ángel Parra, quienes junto al ministro de Cultura, Ernesto Ottone, la alcaldesa de Santiago, Carolina Tohá, la presidenta del directorio de la Fundación Museo Violeta Parra, Cecilia García-Huidobro, y el director del museo, Leonardo Mellado, recorrieron las instalaciones de este lugar.

© Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, vía Flickr.

Éstas se conforman por un auditorio para 100 personas en donde se harán charlas y conciertos, dos salas de exhibición, una audiovisual y una educativa, además de una cafetería y oficinas.

El museo posee una colección de 48 obras compuesta por arpilleras, piezas en papel maché y óleos que fueron elaborados por la cantautora. Entre éstas destaca la arpillera “Contra la Guerra” que la artista hizo en 1963 y que es la única obra que volvió a Chile en los ’90 tras ser exhibida en Ginebra (Suiza).

© Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, vía Flickr.

De estas 48 obras, 23 serán exhibidas de manera permanente en dos salas, mientras que las demás rotarán por el museo. Asimismo, esta colección será complementada con la exposición de documentos, fotografías y material audiovisual sobre la cantautora, junto con algunos de sus objetos personales, tales como un arpa, un guitarrón y una máquina de coser.

Museo Violeta Parra (vía @MuseoVParra, vía Twitter).

Además, el museo cuenta con la posibilidad de que sea visitado por estudiantes de primer y segundo ciclo básico, enseñanza media y Licenciatura o Pedagogía en Artes Visuales.

La construcción del museo fue financiada con $1.680 millones que fueron entregados por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y otros $164 millones otorgados por el gobierno de la región francesa de Île de France que se destinaron para levantar el auditorio.

Museo Violeta Parra (vía @MuseoVParra, vía Twitter).

Dirección: Avenida Vicuña Mackenna 37, Santiago.
Horarios: Martes a domingo de 09.30 a 18.00 horas.
Entrada liberada hasta el 31 de diciembre.

Para más información puedes visitar el sitio oficial Museo Violeta Parra o mantenerte al tanto en sus páginas de Facebook y Twitter.

Origen: Plataforma Urbana

 
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Publicado por en 6 octubre, 2015 en Arte y Cultura, Letras, Música, Teatro y Cine

 

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Muere Leonard Nimoy, el comandante Spock de ‘Star Trek’

El actor Leonard Nimoy, popular por su papel del Mr. Spock en la serie Star Trek y las películas de la franquicia, ha muerto a los 83 años de edad, según informan medios estadounidenses. Su mujer, Susan Bay Nimoy, ha confirmado el fallecimiento a The New York Times. Nimoy sufría una enfermedad pulmonar obstructiva crónica, diagnosticada hace meses, por la que había sido hospitalizado a principios de semana tras sufrir una serie de dolores en su pecho.

El actor hizo público en 2014 que padecía un problema pulmonar crónico que atribuyó a sus años de fumador, un hábito que dejó hacía más de 30 años.

Aunque fue la saga de Star Trek la que le lanzó a la fama, sus inquietudes artísticas eran múltiples y abarcaban la poesía, fotografía y música. Pero fue su encarnación de Spock —un mestizo, fruto del amor entre una humana y un vulcaniano— la que le convirtió en inmortal.

El último tuit del actor, enviado el pasado 23 de febrero, ya tiene más de 40.000 retuits:

Nacido en Boston, Nimoy debutó en la actuación en 1952 con la película Kid Monk Baroni. También tuvo pequeños papeles en series y películas, pero su gran momento llegó con Mr. Spock, mitad humano mitad vulcaniano, el papel que le lanzó al estrellato. La serie Star Trek se mantuvo en antena entre 1966 y 1969, durante los que Nimoy consiguió tres nominaciones a los premios Emmy por su papel. La última vez que dio vida al icónico personaje fue en 2009, en un cameo en la película de J.J. Abrams, donde Zachary Quinto interpretaba a Spock. Uno de sus últimos personajes recurrentes en televisión fue en la serie Fringe, dando vida a William Bell. Como director, fue el responsable de películas como Tres hombres y un bebé y Esposa por herencia.


EL PAÍS.

 
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Publicado por en 27 febrero, 2015 en Arte y Cultura, Teatro y Cine

 

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J.J. Abrams guía de nuevo al Enterprise al espacio profundo

La legendaria nave entrará en el hiperespacio por primera vez en formato tres dimensiones en un filme que se estrena en España el 5 de julio y será el decimosegundo de una franquicia que continúa la estela de la serie de culto del mismo nombre, que se estrenó en la televisión estadounidense en la década de 1960.

El capitán Kirk vuelve al puente de mando del Enterprise en “Into Darkness”, una nueva secuela de la saga espacial “Star Trek” con dosis renovadas de acción que el director estadounidense J.J. Abrams presentó hoy en Londres.

La legendaria nave entrará en el hiperespacio por primera vez en formato tres dimensiones en un filme que se estrena en España el 5 de julio y será el decimosegundo de una franquicia que continúa la estela de la serie de culto del mismo nombre, que se estrenó en la televisión estadounidense en la década de 1960.

Abrams, autor de series como “Lost” y filmes como “Super 8″, ya había revitalizado en 2009 la saga de “Star Trek” y había reunido a una tripulación rejuvenecida para una de las naves más célebres de la ciencia ficción.

“Esta vez hemos querido ir más allá en todos los sentidos. Hay planetas volcánicos, persecuciones estelares salvajes y unos efectos especiales increíbles, pero también hay una historia más rica en matices”, afirmó el director de la cinta.

En esta segunda parte de su revisión de la saga galáctica, “la tripulación del Enterprise se enfrenta a retos mucho más exigentes”.

“Deben lidiar con dilemas morales, hacer frente a problemas de confianza y lealtad, decidir en qué lugar quedan los principios cuando te encuentras en una situación extrema”, describió Abrams.

Como en 2009, el estadounidense Chris Pine es el respetado capitán Kirk, un héroe siempre escoltado por el primer oficial Spock, un descendiente de Vulcano que vive un profundo conflicto para armonizar la lógica con las emociones, al que da vida el también estadounidense Zachary Quinto.

“Siempre ha habido la sensación de que un personaje no sería lo mismo sin el otro”, señaló Pine sobre la relación entre Spock y Kirk, un personaje que en esta historia debe enfrentarse a sus demonios internos.

Al capitán “le encanta saltarse las reglas, siempre ha tenido esa despreocupación, ese desenfadado que le convierte en encantador, pero en esta misión tendrá que enfrentarse a muchas dudas”, apunta el actor, que subraya el hecho de que Abrams combina con maestría la acción de la película con los matices psicológicos.

“No importa lo fantástica o increíble que sea la escena que está rodando, siempre sabe cómo conectar con el público. Hay secuencias de acción increíbles en esta ocasión, pero en el fondo de todo siempre hay un núcleo de emociones humanas”, explicó Pine.

La nueva misión del Enterprise es también un reto moral para Spock: “Creo que para el primer oficial esta historia representa la necesidad de comprender lo que significa estar emocionalmente disponible, lo que implica la amistad”, señaló Quinto.

El reparto lo completan el neozelandés Karl Urban, en la piel del doctor Leonard McCoy, “Bones”; el británico Simon Pegg, que interpreta el ingeniero jefe “Scotty” y la estadounidense Zoe Saldana, que es la oficial de comunicaciones Nyota Uhura.

“Hay un momento realmente mágico en esta película entre Uhura y Spock”, afirmó Quinto, que permite a los espectadores “entrever algo de la vida interior de Spock que no se había visto hasta ahora”, señaló el actor.

Para Quinto, trabajar con Saldana fue “muy emocionante”: “Nos conocemos desde hace años y ha sido fantástico volvernos a encontrar. La familiaridad es muy importante, sobre todo cuando trabajas en escenas tan íntimas”, señaló.

Saldana, por su parte, apuntó que la relación entre Spock y su personaje “sorprendió a todo el mundo en la primera película” y apuntó que “la única forma de seguir adelante era continuar profundizando”.

“Ha sido fantástico ver como Chris y Zach continuaban construyendo estos personajes, respetando su esencia pero añadiendo sus propios giros. Creo que lo han hecho incluso mejor en esta ocasión”, indicó la actriz.

vía El Mostrador.

 
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Publicado por en 13 junio, 2013 en Arte y Cultura, Teatro y Cine

 

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Aventura de mi mente, de mi mesa y de mi lecho

Lo que sucede con Gloria no sucede quizás desde Machuca: se ha vuelto parte del tejido social. A pesar de que su mundo roza con una cierta elite progre, el filme es popular y masivo en el mejor sentido de esas palabras.

La crítica local e internacional ha sido en extremo generosa con Gloria y me parece que así tiene que ser. ¿Por qué no habría de ser así si la película no sólo es cautivante sino que además no posee una gota de exotismo? Quizás por eso sorprende lo bien que le ha ido en el exterior: es la cinta “menos de exportación” de calidad que se ha estrenado en años. El eje Pinochet/mundo marginal dio paso a Bachelet/clase media y el filme no fue castigado sino, al revés, merecidamente celebrado. Desde su debut en Berlín, el filme de Sebastián Lelio empezó a acumular masa crítica y expectativas. Sin embargo, a la hora del estreno local, todo esto no significaba nada: como se dice “en la industria”, basta tener un palmar para que la gente salga a arrancar.

Gloria es la excepción. Parece hecha para los cines de acá, para la gente de acá, no para conquistar fondos extranjeros o becas. A pesar que su mundo roza con una cierta elite progre, el filme es popular y masivo en el mejor sentido de esas palabras. Sintoniza fino con lo que sucede en un amplio submundo que no había sido mostrado (una minoría silenciosa, si se quiere) y se hace cargo (en un fuera de cuadro, digamos) de un pasado indudablemente trágico, pero donde igual se vivió (un pasado donde la gente se casó y tuvo hijos y se separó, un pasado donde la gente pensó que su vida sería de otro modo).

Lo otro que ha dejado la eficaz y emocionante Gloria es una enseñanza: el público chileno se comporta como todos los públicos del mundo. Les interesa más lo cercano que lo críptico; si no les gusta algo, se lo cuentan a los amigos. A veces quieren ver filmes estadounidenses con autos que estallan; a veces conectan con un filme político y épico; el humor vulgar les gusta y, de pronto, sin que nadie lo esperara, enganchan con una mujer sola de clase media que tiene la misma edad que la ex y posible próxima presidenta (que vio el filme y, cómo no, dijo que le encantó).

En Hollywood hay un dicho: nadie sabe nada. Pero hay algo que todos saben y muchas veces algunos directores evitan: el deseo de conectar. Para eso, los realizadores deben hacer algo arriesgado: conectar a la vez con sus propios mundos. Algo de eso se intuye en Gloria: escrita por la dupla de Sebastián Lelio y Gonzalo Maza, ésta no es una cinta que desea contar algo; ésta es una película que está expresando algo muy personal. Y lo hace vía el personaje que interpreta Paly García (otro mito que cae al suelo: una estrella de cine no es necesariamente una estrella de tele).

Paly García, con sus pisco sours, sus inmensos anteojos a lo Tootsie y esa frase que saca aplausos femeninos (“ponte los pantalones”), se luce como sólo se puede lucir una grande que entiende que menos es más y se la juega en pantalla, pero también altera el statu quo del cine chileno. García y su personaje complican la discusión que está naciendo respecto a una ley del cine, porque deja claro que no es que a los chilenos no les guste el cine chileno, es que no conectan con mucho de ese cine por una serie de motivos. No me parece raro que Gloria inspire más interés comercial que La pasión de Michelangelo o Bombal. La teoría conspiracional que dice que los distribuidores sólo desean sacar de las salas a los filmes locales también queda en entredicho. Es más: Gloria aumentó de salas la segunda semana al captar los distribuidores que la curiosidad iba en aumento. Los distribuidores creen en el dinero, no en las nacionalidades.

Gloria mezcla en forma tan perfecta como inspirada una serie de elementos que parecían inmezclables: cine femenino, Bachelet de vuelta, tercera edad empoderada, protagonista aporreada pero con ñeque, falta de líderes masculinos, los 80 como elemento retro.

Lo que sucede con Gloria no sucede quizás desde Machuca: se ha vuelto parte del tejido social. El triunfo final de un filme lo dice el tiempo, pero para que se produzca una real comunión, todos tienen que participar: la crítica, la prensa, el palmarés, los cinéfilos y la masa. Y por el tipo de gente que está asistiendo (mucha tercera edad, jóvenes con sus madres) está claro que Gloria quebró el grueso muro del nicho del cine-arte e hizo entender a mucha gente que ganar en un festival no es señal de un filme raro o incomprensible o ultrapolitizado. Este solo logro hace de Gloria una gloria.

Por cierto que buena parte de todo este éxito tiene que ver con la extraordinaria y empática Paly García, ganadora del Oso de Plata a la Mejor Actriz, que por momentos supera la película y que, de alguna manera, es la película. En una cinematografía donde cuesta entender lo que motiva a un personaje, aquí el público es capaz de saber lo que ella está pensando y, de paso, apoyarla.

Sebastián Lelio, que antes era apreciado por un puñado de cineastas y cinéfilos, ha creado una película y un personaje (o un personaje y una película) que claramente lo han catapultado del cine-arte al mundo masivo donde se arman los dioses pop y se articulan los sueños. Sucede poco: una cinta sin fines de lucro, claramente de autor, para más remate cinéfila (OK, lo digo: Gloria, la cinta más de “estudio” y “tradicional” de John Cassavetes me parece superior al filme de Lelio, algo que no es para nada un insulto; pero la Gloria de Lelio me parece inmensamente más cercana, entrañable y emotiva), logra colarse en el imaginario colectivo y se vuelve tema, pautea agenda, intriga, provoca y termina volviéndose finalmente indispensable. Por algo ya los noticiarios han armado notas sobre “las Glorias reales”.

Si Stefan v/s Kramer será la cinta con que se recordará el período Piñera, Gloria sin duda es la cinta que resumirá el período Bachelet y quizás adelante su próxima reelección. Gloria capta perfecto un mundo donde conviven las canciones retro de la época de Pinochet con los nuevos casinos con spa y el yoga. El triunfo de Gloria es merecido porque es una cinta generosa, abierta, empática, que ha penetrado a un sector que no se sentía representado hace tiempo. La aventura en que se embarcó Lelio llegó lejos: “Aventura de mi mente, de mi mesa y de mi lecho”, canta Tozzi, y uno capta que todo eso lo vivió con esta Gloria. Si uno se emociona al final es porque la comprende, la entiende, capaz que la envidie. Lo que partió siendo una cinta “para las que respiran niebla/para las que respiran rabia” terminó siendo un filme -y un personaje- que conecta con todos. En efecto: una cinta que faltaba en el aire, faltaba en el cielo.

vía Qué Pasa.

 
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Publicado por en 4 junio, 2013 en Arte y Cultura, Teatro y Cine

 

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Realizador de “El Diario de Agustín” sobre “censura” en ARTV: “Es extraño que esa mano negra sea tan larga”

“El Diario de Agustín” iba a ser exhibido dentro de un ciclo de documentales de Ignacio Agüero, sin embargo los realizadores se enteraron que su película había sido sacada de la programación por decisión del dueño del canal. Para Agüero y Fernando Villagrán, esta es una nueva “censura” que dificulta la exhibición del documental que indaga en la responsabilidad de los diarios de Agustín Edwards en encubrir los crímenes de la dictadura.

Una nueva censura se suma al documental “El Diario de Agustín”, de Ignacio Agüero y Fernando Villagrán. Ésta vez fue el canal ARTV quien arbitrariamente lo sacó de programación luego de haberlo publicitado proclamándose como “el canal que se atreve a hacer lo que TVN no hizo“.

Villagrán cuenta a The Clinic Online que el documental estaba programado para el jueves 25 como la culminación de un ciclo de documentales de Ignacio Agüero. El ciclo, incluido el documental que indaga en la responsabilidad de los diarios de Agustín Edwards en la ocultación y encubrimiento de crímenes de la Dictadura, fue publicitado por las redes sociales del canal. Sin embargo, ayer sin mayor aviso se retiró la publicidad.

“Ahí averiguamos y supimos que Luis Venegas, dueño del canal, había decidido no dar el documental con la excusa informal de que lo cambiarían de fecha”. Sin embargo, no hay información de que se vuelva a exhibir.

“No sé los antecedentes que maneja Venegas para resolver no dar el documental, sobretodo cuando este documental no ha tenido reparos en su contenido de parte de los afectados” señala el realizador.

En el caso de ARTV no había contrato, y para los autores la acción del canal es “censura”.

“Tengo que suponer que por la historia de la película, hay presiones. Pero es extraño que esa mano negra sea tan larga que llegue a sectores como ARTV, donde no debería llegar” sostiene Villagrán.

Con esto, se repite lo que sucedió anteriormente en TVN y en el Museo de la Memoria, donde también se censuró la exhibición del documental. Villagrán adelanta que en el caso de TVN, el canal tiene hasta fines de mayo para dar el documental, y en el caso de que esto no se cumpla, “emprenderemos acciones legales por incumplimiento de contrato”.

vía The Clinic.

 
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Publicado por en 24 abril, 2013 en Arte y Cultura, Teatro y Cine

 

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Cine chileno: “De Jueves a Domingo” se estrena en Chile tras triunfo en el extranjero

“La ficción toma su propio camino”, sostuvo la directora del filme, Dominga Sotomayor.

Tras haber triunfado en el Festival de Rotterdam y haber circulado por numerosos certámenes internacionales, recibiendo un sinnúmero de elogios, el film “De Jueves a Domingo” será estrenado en nuestro país a través de la nueva sección de distribución de la agencia CinemaChile. La película, ópera prima de la joven cineasta Dominga Sotomayor, narra el viaje de fin de semana de una familia que se desintegra, visto a través del punto de vista de la hija mayor.

“Estrenar en Chile es el final de un proceso”, señala su directora, “Ha sido un recorrido muy largo, pero siempre el principal objetivo han sido las salas chilenas. Estoy súper intrigada con lo que al público chileno le pueda pasar, cómo reaccionará la gente que conozco. Por un lado, De Jueves a Domingo es una película con temas muy universales, por eso ha generado tantas reacciones en el extranjero, pero creo que puede haber una conexión distinta acá, estoy muy expectante”, señala Dominga respecto al estreno de su película en cines nacionales.

Sin embargo la cinta ya pudo verse durante octubre del 2012 de forma exclusiva en el marco del Festival de Cine de Valdivia, donde obtuvo la principal distinción. “Fue muy emocionante el premio de Valdivia porque es el primer festival al que fui con un corto siendo estudiante… es como que forma parte de mi recorrido”, señala Dominga, “En esa oportunidad los actores vieron por primera vez la película, y también mi familia pudo verla, todos viajaron a Valdivia y fue muy lindo. Ellos entendieron De Domingo a Jueves 2muy bien que la historia tiene mucha relación con mi propia historia personal, a pesar de toda la ficción”. El personaje de Lucía, interpretado por la preadolescente Santi Ahumada, guarda mucho parecido con Dominga y gran parte del imaginario del film está inspirado en los viajes familiares que la directora realizaba con sus papás en los noventa. “Para mi papá fue emocionante verse retratado”, dice Dominga a este respecto, “sin embargo la realidad es sólo el punto de inicio, la ficción luego toma su propio camino”.

La obra de Dominga está atravesada por la imagen de una familia fracturada, tanto en sus cortometrajes “Noviembre” y “Debajo”, como en su primer largometraje. “Me gusta poner en juego el tema de lo familiar, amenazándolo con cierta incomodidad a través de la puesta en escena, a pesar de la naturalidad y cotidianeidad que pueda haber en la superficie”, explica Dominga, “no creo en la estructura tradicional de la familia ni en los roles establecidos”. En el caso de De Jueves a Domingo, este quiebre inminente pero silencioso está narrado desde la perspectiva de los niños, “no quería salir del asiento de atrás, generé un sistema dentro del auto donde los personajes pudieran desarrollarse, no sin algo de incomodidad”, agrega.De Domingo a Jueves 3

Respecto a la cuidada fotografía del film, Dominga nos cuenta que “en el rodaje estábamos súper comunicadas con Bárbara Álvarez, teníamos la película completa en la cabeza y por lo mismo fue increíble trabajar con ella. Los encuadres ya estaban muy claros incluso desde el guión. Yo escribo describiendo detalladamente qué vemos y desde dónde, por eso creo que mi principal labor como directora está en la escritura”. Sin embargo los encuadres no son caprichosos, son estrictamente compuestos en función de la perspectiva de ambos niños, “Fue muy útil haber grabado cronológicamente porque los niños comenzaron algo más nerviosos y después se fueron acostumbrando a la cámara y a su presencia”, explica Dominga, “igual ellos nunca supieron la película completa, no les conté de qué iba el guión y sólo trabajábamos el día a día, creo que eso ayudó mucho en la atmósfera borrosa del conflicto de los padres”.

Los adultos, interpretados por Fracisco Pérez-Bannen y Paola Giannini, fueron de gran ayuda para armar las escenas con los niños. “Yo les daba el tono, pensábamos en cambios físicos que ocurrieran en ellos, evoluciones en el estado de ánimo”, explica la directora, “sobretodo porque el conflicto está por fuera de los diálogos, es más bien subterráneo”. Rodado en 16mm, “De Jueves a Domingo” exigió mucho ensayo y precisión con los actores. “Hacíamos a los niños llegar a los diálogos en vez de Dominga Sotomayordárselos. Yo quise hacer algo súper naturalista, pero no llegar desde la improvisación sino desde lo escrito, ese era el desafío”, agrega, “además para los actores que son de la televisión fue interesante no tener 3 cámaras sino una, actuando en función del encuadre. Además para lograr ese realismo, quise que siempre estuvieran los cuatro en escena, aunque sólo se vieran los niños. Así fue como se dio algo familiar entre ellos, a veces yo estaba en otro auto y Pancho y Poli guiaban y cuidaban a los niños. Armábamos dinámicas, a veces uno de los niños no sabía la escena y los actores me ayudaron mucho en eso”.

En este método de dirección, los niños dentro de la película nunca supieron durante el rodaje cuál era el conflicto que acechaba a los padres. “Todos tenían guión, menos Santi”, nos cuenta Dominga, “y como niña tenía una curiosidad natural, intentaba robarse guiones o leer otras escenas. Fue como un juego que para mi fue muy fructífero. Se fue enterando de a poco qué era lo que pasaba, y cuando se dio cuenta que los padres se separaban también fue fuerte para ella, justo ocurre en pleno desierto, en el clímax de la película y le pasó lo mismo que al personaje, entendió el tono de nostalgia. Al mismo tiempo, ella también estaba cansada después del rodaje y ese cansancio también aporta a su estado emocional en esa secuencia.

Tratándose de una road movie, el film transcurre en gran parte sobre el station wagon familiar, por lo que las posibilidades de encuadre eran más bien limitadas. “Intentamos que a pesar de la rigidez de los encuadres, dentro del auto ocurrieran distintas cosas hasta el punto que la composición fuera muy dinámica”. Ya al final del film, cuando la familia llega al desierto, hay un encuadre muy elocuente respecto a la historia: vemos a Lucia de espaldas mientras que sus dos padres están distanciados como en un duelo, frente a ella. “Para mi toda esa secuencia se trata de irnos hacia su interior, me interesaba acercarme al tiempo de ella, aproximarnos a esa sensación de abandono que pueden haber sido 5 o 10 minutos, pero para un niño en el desierto puede ser eterno. Es como una imagen traumática, una experiencia que es origen de todos los traumas, constituyente de Lucía para siempre: y coincide con la separación de los papás”, reflexiona Dominga, “también es la primera vez que lo ve todo de frente, por eso ese encuadre es tan explícito. Allí el tiempo se dilata y se transforma en una película casi de terror, me interesaba salirme del realismo y naturalismo de antes y adentrarnos en la subjetividad del De Domingo a Jueves 4personaje de Lucía. Es una desintegración muy interna, la madre fuera de campo, sin saber dónde está, y nos quedamos con la niña sola. Para mi allí se descubre el protagonismo de Lucía. Yo creo que la película es en definitiva una mirada de la niña sobre su mamá. Por eso quizás es más femenina, es el conflicto de Lucía con su madre, de que quizás ella no quiere ser así. La madre (Giannini) es súper densa, y quizás Lucía quiere salir de ese esquema, eso se ve cuando llevan a las mochileras, se siente esas ansias de libertad mientras que la madre está sujeta a su esposo, sin saber dónde la va a llevar este hombre. Igual su personaje tiene un momento de lucidez, cuando se da cuenta que no quiere estar con un tipo que no la ama, pero aún así para Lucía la madre es algo que ella no quiere repetir cuando grande”.

“De Jueves a Domingo” ha tenido un éxito rotundo en distintas latitudes del globo, y podrá ser visto en las salas de cine de Chile desde el 4 de Abril. Así mismo se estrenará en Argentina, Inglaterra, Polonia, México y otros países en el mes de Mayo.
vía El Mostrador.

 
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Publicado por en 26 marzo, 2013 en Arte y Cultura, Teatro y Cine

 

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